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May 22, 2023

Creyendo en el futuro de la música bella con el director de 'Les Préludes' Jung

El final de la temporada del Interlochen Arts Camp ya está aquí, pero no sin su conclusión anual: el último concierto de WYSO del verano, combinado con la presentación anual de "Les Préludes" de Franz Lizst.

El final de la temporada del Interlochen Arts Camp ya está aquí, pero no sin su conclusión anual: el último concierto de WYSO del verano, combinado con la presentación anual de "Les Préludes" de Franz Lizst.

La WYSO interpretará "Romeo y Julieta" de Sergei Prokofiev, así como "Creación" de Tonya Wind Singer.

El director Jung-Ho Pak subirá al podio en ambas partes de este concierto final.

Habló con Classical IPR sobre su trabajo con músicos jóvenes y las piezas que traerá al Interlochen Bowl este domingo.

Escuche la entrevista completa o lea la transcripción editada a continuación.

Escuche la transmisión en vivo del concierto de IPR, o vea a Jung-Ho Pak y la Orquesta Sinfónica Juvenil Mundial, la Filarmónica de Interlochen, la Sinfónica Juvenil Mundial de Viento y una selección de bailarines del Campamento de Artes de Interlochen en persona el domingo 6 de agosto a las 7:30 p.m.EDT.

Nancy Deneen: ¿Cómo describirías las diferencias y similitudes entre la dirección de conjuntos profesionales y la de músicos más jóvenes en un conjunto de estudiantes?

Jung-Ho Pak: Vaya, creo que esa pregunta depende de cuándo me la preguntaste. Cuando tenía 20 años, habría dicho una gran diferencia. Yo habría dicho que los estudiantes no necesariamente tienen toda la experiencia de la vida. No tienen la técnica. No entienden lo que es tocar en una orquesta. Y luego, cuando trabajas con profesionales, no necesariamente tienen el mismo tipo de inocencia y el mismo tipo de optimismo, pero aprendí desde el principio que eso no es cierto.

Los jóvenes pueden jugar con una sofisticación increíble si se espera que lo hagan. Y los músicos profesionales tienen todos 16 años, 17 años en el corazón. Y mi papel, si no mi trabajo, es hacerles creer de nuevo e invitarlos. Eso significa tratarlos con tremendo respeto y el mismo tipo de Mickey Rooney, Judy Garland, "montemos un espectáculo de entusiasmo".

Entonces, ahora que puedo decirlo, muchos años después, trato de tratar a los estudiantes con el mismo nivel de profesionalismo, sin dejar de despertarlos sobre lo que significa ser un profesional.

Simplemente dándoles esa sensación de que vienes preparado a los ensayos. La música no se aprende en el ensayo. Juegas con consistencia y precisión. Pero cuando trabajo con músicos profesionales, los trato como si todos estuviéramos tocando en el mismo entorno de pruebas. Son todos grandes seres humanos.

ND: ¿Qué quieres que los estudiantes consideren mientras algunos de ellos se están preparando para decidir si quieren seguir con la música al siguiente nivel, ya sea en la universidad y posiblemente en una carrera profesional después de eso?

JP: Esa es una conversación que creo que todo estudiante debería tener. He tenido el honor de trabajar en conservatorios maravillosos: en la USC en el sur de California y en el Conservatorio de San Francisco. E incluso aquí en Interlochen, esa conversación, la charla sobre la realidad, cuántos empleos hay disponibles, qué se necesita para conseguir un empleo. ¿Qué se necesita para conservar un trabajo?

La pregunta más importante de todas es ¿qué se necesita para ser feliz?

No es una conclusión inevitable que después de conseguir un trabajo, incluso con una orquesta importante, la felicidad existe, y la alegría, la dicha y la satisfacción se obtienen automáticamente. Y entonces, creo que eso es parte del debate que trato de tener con los estudiantes, es que tienes que preguntarte ahora, antes de ir demasiado lejos: ¿por qué eres músico?

¿Eres músico porque no te gustan las matemáticas? ¿O no te gustan los estudios sociales? ¿O no te gusta la ciencia? ¿Eres músico porque tus padres quieren que lo hagas? ¿Tus profesores esperan que lo hagas? ¿Eres músico porque eres bueno en eso? Ahora bien, pensarías, bueno, esa es la razón. No, no necesariamente.

Sólo porque tengas cierta facilidad para tocar bien un instrumento no significa que te vaya a hacer feliz. Conozco a muchos músicos que estudiaron con mucha asiduidad y luego se convirtieron en empresarios, abogados, jardineros y todavía tocan y les sigue encantando. ¿Quién puede decir que esa no es la situación ideal? Entonces tratamos de tener una especie de conciencia existencial.

ND: ¿Alguna vez se le ha acercado un estudiante para preguntarle si quiere mirar aún más hacia el futuro y le ha preguntado si podría convertirse en director de orquesta?

JP: Sí. Recibo un buen porcentaje de personas. Y si simplemente miraras pasivamente, observando a un director, sería muy divertido.

Quiero decir, agitas los brazos, haces ejercicio, le dices a la gente qué hacer, te imaginas cómo la música queda impresa en otras personas. Hay tantas cosas. Es un rol de supervisión muy exclusivo y al mismo tiempo muy emotivo. Por eso hay algo muy seductor en querer ser director de orquesta.

Lo entiendo. Y yo también caí en esa trampa. Pero creo que si eres un buen jefe o incluso un buen padre, te das cuenta de que sacas el máximo provecho de las personas cuando no se trata de ti. Cuando realmente se trata del trabajo que estamos haciendo o de las personas a las que sirves. Acabo de pasar dos horas gloriosas con estos jóvenes músicos esta mañana y traté de engatusarlos y convencerlos de que quiénes son es a quién deberían llevar al escenario del concierto o también al ensayo.

A veces, es gracioso, tienes un descanso en el ensayo después de una hora, ¡y luego ellos gritan, corren, ríen, se abrazan y están vivos! Y dije: "¿Por qué no traes eso aquí cuando juegas?"

Creo que, como director de orquesta, tu papel es mejorar la vida de todos los que te rodean, no alimentar tu propio ego. Esa es una de las cosas que traté de decirles: que no se trata de control, sino de hacer del mundo un lugar mejor.

ND: El repertorio del concierto de esta semana incluye 'Romeo y Julieta' de Sergei Prokofiev. Para quienes la interpretan y para quienes la escuchan, ¿qué cosas sobre esa pieza deberían saber?

JP: Oh, esta es una pieza de un joven, literal y artísticamente.

Se trata de dos amantes muy, muy jóvenes y desventurados. Y la orquesta me recordó: dije: "¿Sabes cuántos años tiene Julieta? ¡Tiene 13 años!". Por supuesto, hoy sería muy problemático, pero si lo miras desde un punto de vista muy conceptual, se trata de los jóvenes y el idealismo y su creencia de que siguen su corazón.

Siempre me ha gustado hacer esta pieza con orquestas juveniles porque puedo decirles: "imagina lo que es estar enamorado por primera vez. Imagina lo que es ser desafiado por tus padres y ser arrojado apasionadamente a algo". Este es el momento para que comprendan eso, lo crean, se rebelen y simplemente crean en ustedes mismos.

Este es, diría yo, el mayor ballet de Prokofiev. Aquí es donde realmente brilla. Sí, amamos sus sinfonías, la Sinfonía n.° 5 y sus conciertos. Toda su música es brillante. Pero la verdad es que brilla cuando cuenta una historia.

Es un narrador de historias. Y eso es lo que realmente le pediría a la gente cuando vengan y escuchen esta hermosa pieza musical: siéntense y escuchen.

Básicamente estás escuchando cómo cobra vida una partitura de John Williams. Ya sabes lo increíblemente satisfactoria que es la música de John Williams. No necesitas tener a Harry Potter o Luke Skywalker frente a ti. Está completo. Es una comida satisfactoria. Tiene todos los elementos nutricionales. Lo mismo con su música de ballet. No falta nada. Es equivalente a Firebird y Rite of Spring de Stravinsky.

ND: Y luego también interpretarás "Creation" de Tonya Wind Singer.

PK: Sí, puede parecer una combinación interesante. Cuando he hecho música nativa americana, lo que realmente es importante para mí es que el compositor sea nativo. Y en este caso, Tonya Wind Singer, reside en Phoenix y ha tenido un gran despertar recientemente.

Es una compositora increíblemente virtuosa y magistral. Escribe música comprendiendo toda la belleza de Debussy y el dominio armónico y rítmico de todos los grandes compositores clásicos. Y lo digo con orgullo porque no se trata sólo de conveniencia, sino de elegir un compositor que sea simplemente brillante.

Resulta que ella también es transgénero y se ha identificado de esa manera. Entonces, esta es una voz que necesita estar en el escenario como artista y como persona en nuestra sociedad. No podía, no podía creer más en esta pieza.

Se llama "Creación". Ayer tuve una conversación maravillosa con ella sobre el significado de la pieza.

Los nativos americanos ciertamente no tienen la misma perspectiva, al menos según Tonya, de una especie de bíblico "Dios creó la tierra en siete días y todo esto desde la nada hasta el todo". Más bien, es un reconocimiento de todo lo que existe en el mundo. Es una relación más estrecha y real que una relación casi mítica o inimaginable.

Es una celebración y un reconocimiento del mundo que nos rodea, y eso iluminó completamente la pieza para mí.

Creo que cuando la gente lo escuche, escucharán cosas similares a una flauta nativa tradicional, o un powwow, o sentirán la energía rítmica, o las canciones que cantan: todo cobra vida.

Quiero proclamar desde lo alto de las montañas que los compositores, muchos compositores, más de uno, muchos, muchos compositores norteamericanos y nativos americanos necesitan estar en nuestro escenario de conciertos. Necesitamos encontrarlos. Necesitamos celebrarlos.

ND: La segunda mitad del concierto presenta "Les Préludes de Franz Liszt, y es interpretada no sólo por la Orquesta Sinfónica Juvenil Mundial, sino también por un conjunto ampliado de cientos de personas. ¿Qué desafíos presenta este escenario para usted y para los estudiantes de música?

JP: Bueno, desde un punto de vista puramente logístico, de humanidad en el escenario, es un elenco de cientos, que es algo con lo que muchos directores no tienen que lidiar la mayor parte del tiempo.

Pero aquí, cuando combinas dos orquestas, la Filarmónica de Interlochen y la Orquesta Sinfónica Juvenil Mundial, junto con la Sinfónica Juvenil Mundial de Viento, todos conjuntos fabulosos, tienes tres grupos diferentes de personas que han realizado tres viajes diferentes durante seis semanas. Todos ellos tenían diferentes directores y diferentes conciertos y diferentes repertorios. Y ahora nos reunimos en el último momento de la sexta semana y los juntamos.

Desde el punto de vista de un director, los bordes de la orquesta no están quizás a 30 pies de distancia. Los bordes de la orquesta están a 60 pies de distancia.

Cuando doy un ritmo fuerte, la gente mira a través de sus telescopios al director porque soy muy, muy pequeño frente a ellos. Además, tienen que escuchar a través de una enorme extensión dentro de lo que llamamos The Bowl, The Interlochen Bowl, que es esta hermosa estructura en forma de A. Y entonces está ese físico de Samson juntando las columnas y tratando de mantener a todos juntos y escuchando.

Ayer tuve mi primer ensayo y me sorprendió lo amables que fueron. Porque además, ¡esta es la sexta semana! Hay muchas hormonas y mucha energía y ya-yas que la gente quiere sacar. Pero todos estaban callados, escuchando y muy respetuosos y concentrados. Me honraron con su atención.

Musicalmente es muy difícil. Es como intentar recorrer una carrera de obstáculos para un coche deportivo con una camioneta Mac. Básicamente estás dando vueltas alrededor de estos conos y todo es que el camión se mueve muy lentamente y con mucho trabajo. Pero estos muchachos están escuchando y siendo muy, muy receptivos. Y así es, así es para mí, en lugar de conducir una pequeña lancha rápida, es el Queen Mary.

ND: Jung-Ho Pak, muchas gracias por compartir tus ideas y tu pasión por el arte, las personas y la música.

JP: Es completamente en mi honor. Y una de las razones por las que vuelvo a Interlochen cada año es que aquí es donde realmente puedes creer en el futuro de la música hermosa y de nuestra humanidad.